Hace meses me ví esta película en cine con un amigo y al salir, mientras bajábamos en el ascensor con un grupo de personas que venían del mismo sitio, uno de ellos resumió el sentimiento general sobre lo que habíamos presenciado: "Ve, y porqué fue que no nos vimos Shrek?". Tan clara fue la sentencia, que esta reseña me pareció innecesaria en su momento, permaneciendo en el borrador hasta hoy, en vista de que la crítica sigue alabando esta obra de Haneke, tal vez el director de cine alemán de mayor reconocimiento de nuestros días. Es por ello que; haciendo de tripas, corazón; realicé nuevamente el ejercicio de vérmela, esta vez solo, y con todos los sentidos puestos en ella.
¿Qué se puede obtener cuando se combina una buena sinopsis con un destacado director y además se le suma un par de reconocimientos como mejor película en certámenes como Cannes y los Golden Globes? Para este caso, lo mismo o un poco menos. Otra vez, tal y como me pasó ya en otra ocasión, una película se queda corta frente a las críticas hechas por fuentes reconocidas; quizás porque de nuevo, como si se estuviera frente a una mancha Rorschach, los ojos expertos imaginan más de lo que dilucidan. Porque es claro que a veces hay que leer entre líneas lo que se te pone en escena para llegar a lo sustancial, así como conocer un poco mejor el contexto histórico o político en el que se desarrolla todo, te permite confrontar la visión del director con los hechos. Sin embargo, en Das Weisse Band (2009) casi nada subyace tras lo evidente.
Es válido empezar por reconocer que el cine, así como lo ha hecho la literatura, se ha encargado de mostrarnos representaciones de algunos hechos históricos que hemos olvidado, parcial o por completo, de nuestras clases de ciencias sociales; ésto último es quizás porque la academia sigue empeñada en intentar hacernos memorizar fechas, sitios y nombres para cumplir con un currículo, en vez de darnos entender las razones de ser de los logros y fracasos de la humanidad. De cualquier forma, es imposible aprehender toda la historia del mundo, así incluso te vayas a dedicar tu vida plenamente a ello. Por otra parte, las versiones de los hechos suelen ser contadas por quienes posean el poder de los medios que los narran, sin importar lo que haya pasado.
Por lo anterior, adicional a mi gusto por las películas sobre conflictos armados, es gratificante poder apreciar las distintas visiones de un mismo conflicto; tal vez el más popular y atractivo para el cine ha sido la Segunda Guerra Mundial, donde se pueden conocer las perspectivas de otros de sus actores (Ej. Letters From Iwo Jima - 2006 -), historias reales poco o nunca contadas (Ej. Valkyrie - 2008 -) o ficciones, ya sean cercanas a la realidad, o tan descabelladas como entretenidas (Ej. Inglorious Basterds - 2009 -). El punto es que, curiosamente, la Primera Guerra Mundial no ha gozado de las misma popularidad para este medio, y aún menos los sucesos que conllevaron a este suceso.
La historia de Das Weisse Band se desarrolla en la aldea protestante de Eichwald, Alemania, durante los años previos al estallido de la Primera Guerra Mundial, lugar en el que empiezan a acontecer ciertos incidentes en contra de algunos de sus habitantes. El narrador de la historia, profesor de la escuela, cuenta los hechos en retrospectiva, según su conocimiento y sus sospechas de lo ocurrido; éstas involucran a varios de sus alumnos, quienes han sido educados en sus hogares bajo un sentido de la moral religiosa severo. Al final, a pesar de estar convencido de sus suposiciones, cae en la cuenta de que, más allá de tener o no razón, los habitantes no les interesa conocer la verdad; quizás por su crudeza, o quizás porque de alguna manera dan aval a estas acciones como un castigo merecido a quienes lo han recibido. Bajo esta descorazonadora realidad transcurren las dos horas y cuarto de duración, acentuada por un silencio y una monocromía permanente, que hacen que una aldea Amish parezca un centro recreativo.
En resumen, la historia puede ser interesante, pero no entretenida. A pesar de que en la cinta se busca dar ejemplo del sentimiento ultra nacionalista y reaccionario que, junto al asesinato del Archiduque Franz Ferdinand, detonaron la declaración de guerra de los Imperios Germánico y Astro-húngaro, queda la sensación de que la narración le debe enormemente al espectador; sobre todo por lo inexplicable de ciertas tomas eternas a un encuadre fijo; es un tiempo que sin duda pudo haber sido mejor aprovechado.
A Haneke hay que darle el mérito de tocar un tema tan delicado como éste, ya que es una crítica directa al fundamento de las estructuras sociales de su país para ese entonces. Aún así, la película adolece de ser lenta, estática, así sea ésta su intención. Es excluyente, porque no invita a conocer a quien no tiene idea, sino que comparte poco con los pocos que están en verdad involucrados con su contexto. Si alguno de ustedes ya la ha visto y quiere compartirnos su opinión, sea afín o contraria, están cordialmente invitados a hacerlo.
lunes, 24 de enero de 2011
Das Weisse Band (2009)
lunes, 17 de enero de 2011
Somewhere (2010)
Acompañado por mi novia y unos buenos amigos, con las mejores intenciones de pasar un domingo de enero con buena comida y buen cine, nos dispusimos a disfrutar de la reciente película de Sofia Coppola, Somewhere (2010), ganadora del León de Oro en el Festival de Venecia. Es una pena decir que nuestra expectativa empezó a desinflarse desde la primera escena, la cual es una de tantas que se ven a lo largo del filme y que, aunque se entiende su significado, no le aportan interés a la historia presentada. En resumen, se puede adelantar que ésta es una versión ligera de Lost In Translation (2003), la cual ya de por sí es ligera, de manera que estamos ante algo que raya en el colmo de la ligereza. Si esto les basta, pueden leer hasta aquí. Si les interesa conocer un poco más de lo bueno y lo malo que tiene Somewhere, prosigamos.
Johnny Marco, el prota, es un actor de cine famoso en un gran momento de su carrera profesional, y de quien se entiende que se ha dado de frente y con todas sus fuerzas contra la marea de la fama: es un hombre de unos 40 años, con la fatigada apariencia de uno de 60, y quien aun se comporta como si tuviera unos desordenados 25. A pesar del éxito, es claro que es alguien quien no tiene algo más de lo que se pueda aferrar en su vida, y por lo cual la conduce, como su Ferrari durante los primeros tres minutos introductorios al filme, en un constante circuito sin salida. Esta levedad es bien puesta en escena, tanto que aburre a partir del momento en que se entiende lo que pretende decir, y por lo cual pierde aire y volumen, haciéndose plana y sosa el resto de la hora y cuarenta minutos que dura la película.
Durante esta constante gabela que le paga Johnny a su monotonía, aparece Cleo, su hija, quien queda a su cuidado mientras su madre regresa de un viaje que aún no tiene fecha de retorno. Es en ese instante cuando Johnny empieza a intentar escapar del acoso de las pasiones que rodean a su trabajo para poder compartir momentos con Cleo quien, aunque sin duda quiere a su padre, no logra acercársele lo suficiente, quizás para evitar hacerse daño con su comportamiento dañino. Finalmente, cuando deben separarse de nuevo, todo lo que rodea su entorno se desvaloriza, pierde color, hasta que finalmente un día decide escapar de todo ello, entendiéndose que deja atrás incluso el medio mediante el cual todo lo consiguió fácil y rápido: el abandono del Ferrari; el fin de su carrera. Fin.
Como aspecto a resaltar, está sin duda la dirección artística del filme, la cual es buena y se hace entender, pero no atrapa, es predecible y no consigue ser emotiva, lo cual decepciona. Incluso, careciendo de una permanente música incidental, el momento de la entrada de la canción del filme pasa por encima y se olvida. Otro punto que no favorece es la repetición de ideas, ya que una de las escenas que pretende ser memorable, cuando admite a su hija su descuido como padre, acallado por el ruido del helicóptero, es algo que simplemente ya se ha visto.
En resumen, no puede recomendarse este filme para quien quiera ver algo diferente. Si llega a sus manos, véala, pero no espere nada nuevo. Es mucha la afinidad que el filme demanda para lograr obtener tan poco. Si al final se atreve a hacerlo, tenga a la mano una buena comedia para levantar el ánimo después. Le Dîner De Cons (1998) siempre será una buena alternativa.
miércoles, 5 de enero de 2011
Black Swan (2010)
Lo intenté, pero fue imposible seguir esperando.
En cuanto se anunció que esta película vería la luz en los festivales de Toronto y Venecia hace unos meses, estuve pendiente de su anuncio en la cartelera nacional, comprendiendo entonces que esto sólo ocurriría hasta que fuese distribuida dentro de Estados Unidos, lo cual tuvo lugar hace apenas un mes. Fue ahí cuando, al darme cuenta de que la distribuía Fox Searchlight, llegué a la conclusión de que no la veríamos en nuestras salas mientras no hubiesen pasado los premios Oscar y se hubiese ganado alguno lo cual, después de lo visto, es casi una certeza, con cuatro nominaciones a los Globos de Oro ya encima.
Catalogada por la crítica como un "retorcido thriller psico-sexual", Black Swan (2010) es el resultado final de un proyecto que Darren Aronofsky tenía conversado desde hace casi diez años con Natalie Portman, en el cual se muestra como Nina Sayers, una bailarina de la Compañía de Ballet de Nueva York, emprende una agotadora y competitiva carrera durante años para destacarse y convertirse en prima ballerina de una de las obras de temporada. Con motivo del retiro de Beth, quien ostentaba este rol ambicionado, el director de la compañía decide dar la oportunidad a Nina para reemplazarla, con ocasión del estreno de su nueva adaptación de El Lago De Los Cisnes. A pesar de esto, Nina debe enfrentar la amenaza que representa la llegada de Lily, una bailarina que, a pesar de su inexperiencia, posee el encanto y la seducción que Nina no ha logrado obtener con sus años de práctica y que no le han permitido cumplir su mayor anhelo: ser perfecta.
La trama de Black Swan no es compleja y es predecible desde un comienzo, sin embargo no es esto lo que le interesa a su público. Se entiende, como en Requiem For A Dream (2000), que todo esto no va a terminar bien; el placer está en que el director nos cuente a través del lenguaje visual, la forma como se llega a este término: la transformación de Nina en el Cisne Negro.
Desde que vi el tráiler hasta el final de la película, fue inevitable recordar escenas de Perfect Blue (1997), donde la realidad y la ficción son una sola y donde la culpa está derramada, intencionalmente o no, sobre cada protagonista. Todos ellos actúan de forma destacada, aunque ninguno como Natalie Portman, quien, según ella misma, creyó que moriría durante la filmación debido a la dieta exigente y el entrenamiento extenuante que le demandaba su personaje. Otros méritos para resaltar de la película son su composición musical (la escena en el club nocturno entre Nina y Lily, con los Chemical Brothers de fondo, es hermosa), su edición y sobre todo, la calidad en la interpretación de las piezas de baile.
Pueden entonces esperar a que llegue a cine, después de que la premien en los premios Oscar. Por mi parte, no pude. Y no me arrepiento.
miércoles, 15 de diciembre de 2010
Micmacs à tire-larigot... continuación
Creería que no es la primera película que hace esto, pero si es la única que tengo presente, y consiste básicamente en publicitar su película EN su película. No sé de que servirá poner pancartas publicitaras de la propia película en ella, tal vez para que las personas que ya la hayan visto, les de curiosidad de vérsela por primera vez, y así contar con un deseo después de que este se haya cumplido (sentimiento que sería apropiado después de verse una película como esta).
También puede suceder que simplemente sea para que las personas que ya se la vieron se queden con ganas de repetírsela. Ante eso solo puedo decir que si es así, es jodidamente efectiva,
Así que no queda mucho mas por decir, más allá de que espero que se disfruten esta peli tanto como nosotros.
Continuar leyendo!
miércoles, 10 de noviembre de 2010
Micmacs à tire-larigot (2009)
Ver la obra de Jean-Pierre Jeunet, es como revivir esa escena de Amélie (2001), en la que el señor Bretodeau descubre, sin proponérselo, una cajita en la cual están guardados varios objetos de su niñez, que fueron sus tesoros en esa época y que van adquiriendo otra vez valor ante sus ojos, con cada recuerdo y sensación que van evocando. Jeunet es un reciclador de lo invisible; lo cual aumenta su mérito, porque en cada película logra darle desgaste a los objetos nunca usados, aprender de la sabiduría agobiante de quienes antes jamás existieron, y hacer sentir melancolía por volver a visitar lugares nunca antes vistos.
Con esta comedia de tímidas escaramuzas, contestatarias al tema de la guerra, de las armas y de la maquinaria que funciona tras todo ello, Jeunet se nos vuelve a atravesar en el camino, después de cinco años de estar detrás de esa baldosa en la pared, dándole vueltas en la cabeza a esta idea, quizás para poder darle esos desgastados sepia y ocre que caracterizan a sus ambientes.
La historia de Micmacs es acerca de Bazil, un hombre cuya vida está determinada por un par de sucesos que lo involucran como víctima colateral de la violencia: cuando niño, con la muerte de su padre al explotar una mina y, ya adulto, recibir una bala perdida en la sien, la cual queda alojada para siempre en su cerebro y que lo pone en constante riesgo de morir si no mantiene su mente en actividad (como quien dice, se puede estar muriendo el día menos pensado). Su nueva condición de aparente disfuncionalidad, lo hace perder casi todo, excepto su empeño por sobrevivir hasta que un día, es adoptado por un grupo de 'inservibles', cada uno con una cualidad excepcional que les permite volver a ser útiles por un momento. Es entonces cuando un plan personal de Bazil por dar solución a esas dos cicatrices aún abiertas en su vida, se convierte en un propósito común para toda su nueva familia.
En cuanto a actuaciones, Jeunet se vuelve a rodear de su mejor elenco, como el infaltable Dominique Pinon, Yolande Moureau, Michel Robin; como prota principal está Dany Boon, quien ya se le empieza a reconocer por otras buenas películas del género como Le code a changé (2009) o Mon meilleur ami (2006). En cuanto a todo lo demás, sólo se puede esperar lo mejor y más de la narrativa y la estética que no son ajenas a quienes han visto al menos una película, de la corta pero nutrida filmografía de este director francés.
Hoy estuve revisando la cartelera de las salas de cine colombianas y sólo la encontré disponible donde me la ví, en Royal Films de Centenario, en Cali. Aprovechen pues quienes puedan para vérsela y disfrutársela tanto como quienes lo hicimos ayer. Sáquenle el tiempo, y sáquense también una merecida sonrisa.
viernes, 17 de septiembre de 2010
Consejos para un aspirante a escritor
1.Lo primero hes conozer vien la hortografia.
2.Cuide la concordancia, el cual son necesaria para que Vd. no caigan en aquellos errores.
3.Y nunca empiece por una conjunción.
4.Evite las repeticiones, evitando así repetir y repetir lo que ya ha repetido repetidamente.
5.Use; correctamente. Los signos: de, puntuación.
6.Trate de ser claro; no use hieráticos, herméticos o errabundos gongorismos que puedan jibarizar las mejores ideas.
7.Imaginando, creando, planificando, un escritor no debe aparecer equivocándose, abusando de los gerundios.
8.Correcto para ser en la construcción, caer evite en transposiciones.
9.Tome el toro por las astas y no caiga en lugares comunes.
10.Si Vd. parla y escribe en castellano, O.K.
11.¡Voto al chápiro!... creo a pies juntillas que deben evitarse las antiguallas.
12.Si algún lugar es inadecuado en la frase para poner colgado un verbo, el final de un párrafo lo es.
13.¡Por amor del cielo!, no abuse de las exclamaciones.
14.Pone cuidado en las conjugaciones cuando escribáis.
15.No utilice nunca doble negación.
16.Es importante usar los apóstrofo's correctamente.
17.Procurar nunca los infinitivos separar demasiado.
18.Relea siempre lo escrito, y vea si palabras.
19.Con respecto a frases fragmentadas.
martes, 14 de septiembre de 2010
Los Mercenarios (The Expendables)
Pues que les digo, no solo me vi The Expendables, sino que me la disfruté muchísimo, es una película entretenida sin ánimos de ser ganadora de premios por actuación (que ahí si perderían el tiempo); como se podrán imaginar es acción todo el tiempo, sin mayor espacio para respirar.
La historia parece escrita sabiendo quienes iban a actuar, porque cada papel fue escogido a mano y cada argumento escrito con sus propias palabras, a tal punto que yo sinceramente creo que fue de producción colectiva con los actores.
La actuación en últimas no es mala, solo escasa, como un pastel con nueces (que si le hechas muchas ya no es pastel sino turrón) tiene lo necesario para darle sabor sin que se note que es que tampoco pueden hacer más. Aquí actuan además de Stallone, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Randy Couture y Mickey Rourke
Muy recomendada para un domingo en la tarde con los amigos en el televisor de la casa, un par de bebidas y comida chatarra.
Después del salto una imagen de cuantas muertes tiene encima cada uno de estos actores por película
P.D. Si, ya sé que no es miércoles y que la película ya pasó y salió de cines, pero no importa si la idea es verla un domingo en la casa
