Sólo por un tango (2000)

Hace años ya que me ví este corto en Cinemax, en una época más agraciada para este canal y para quienes éramos seguidores asiduos de su programación. Los días martes, si mal no recuerdo, eran los días de "películas cortas no comerciales", en los que pasaban, entre las 8 y las 10 de la noche, cortos premiados de diferentes partes del mundo. Fue ahí donde pude ver obras breves muy buenas, hechas con una enorme inversión de creatividad y poco presupuesto. Una de ellas fue Sólo Por Un Tango (2000), corto escrito y dirigido por los españoles Toni Bestard y Adán Martín, y ganador de varios premios alrededor de la península ibérica.

Desde que lo ví por primera vez, estuve tras de él por internet, sin tener éxito. Con motivo del mes de tributo, tenía en mente otro corto que ya tenía ubicado y listo para publicar, pero por no dejar me dí a la tarea de buscarlo otra vez, con fortuna de encontrarlo montado en Dailymotion, una buena alternativa con respecto a Youtube, donde se encuentran a veces restricciones de imagen o sonido por el tema de derechos de autor, así como por censura.

Brevemente, y para no arruinarles el sabor del corto (porque es sabroso), los dejo con las desventuras de Chema, un español, asociado con Víctor, un argentino, tratando de llevar a cabo un plan que al final no les resulta en lo absoluto como esperaban, todo condimentado con las deliciosas notas de un tango. Por último, vale anotar que quien interpreta a Chema es Eduardo Gómez, un recordado de algunas de las comedias de Alex de la Iglesia como La Comunidad (2000), Crimen Ferpecto (2005), entre otras.


Sólo por un tango
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Concierto Épico

Tán solo escuchar esa melodiosa voz y poder ver a mujer tan espectacular pagó la boleta.

La musica estridente perfectamente mezclada con la voz lírica, las guitarras y la batería rugiendo al mejor estilo metal, y la voz y el piano deleitándose en su magnificencia, hacen que la música de Épica sea magistral.

Por si eso fuera poco, el Teatro Jorge Isaacs emana su propia aura de omnisciencia especial, que lo hace sentir a uno en medio de algo grande, como efectivamente era.

Y sin embargo, lo que me causó más curiosidad es que fui y me devolví usando el transporte público, sin mayores afanes y en completa calma y seguridad.

Claro, tambien es que los rockeros (algunos mechudos, yo ya no) nos comportamos a la altura del espectáculo y del recinto, ningún alboroto, ninguna pelea, que nos ayuda a que programen más conciertos de alto nivel en la ciudad.

Lo que si debo decir, es que aunque la música es fenómenal (tocar

on la marcha imperial, una versión que siempre me ha parado los pelos), creo que la presentación como tal estuvo floja en alguna parte.

No soy el hombre que ha asistido a más conciertos en su vida, pero en esta ocasión acusé la falta de algún estímulo que me hiciera brincar, cantar y saltar como si fuera el último día. Algunos de los que estuvieron en el concierto discutían si la culpa era del recinto, otros a la falta de carisma de la banda (no incluyan a Simone ahí), otros simplemente no sabían a quien acusar, pero todos con los que hablé lo sentimos así.

En fin, Epica definitivamente es para escuchar, preferiblemente con la armadura puesta y cabalgando su dragón hacia el siguiente castillo.

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¿Recuerdas los años 80?

Hace poco estuve leyendo un caso de estudio de la HBR, el cual abría con esto:

"- ¿Recuerdas los años 80, Philip? - Obvio. Dios odiaba los 80. - ¿No le gustaba nada de los 80? - Le gustaba el jugo Snapple. - ¿A Dios le gustaba el jugo Snapple? - Si, pero no todos los sabores". Episodio de Chicago Hope, serie de televisión.

El caso era sobre una marca de jugos de fruta naturales en Estados Unidos, que probablemente conozcan, llamada Snapple, hoy de Dr. Pepper, quien clama por ser la mejor cosa del mundo. El caso Snapple no tiene importancia para este Aleph de tributo de hoy, ni tampoco la serie de televisión que lo trajo a colación, la cual no estoy muy seguro de que haya sido muy popular en Colombia. En cambio la conversación si tiene amplia relevancia para hoy, pues se presta para múltiples interpretaciones.

Las dos primeras, más sencillas y obvias, como lo es la segunda línea. Snapple comenzó con algo hace más de 20 años, apenas explorado en este siglo en Colombia: publicitar su producto dentro de la serie televisiva y no en la franja de los comerciales; y la otra, el productor, el guionista o el director de Chicago Hope era uno tipo de esos de la onda New Age, amante de la marca y le quiso rendir un tributo en su serie por ahí derecho, haciéndole un reclamo por la cantidad de sabores extravagantes que sacaban al mercado, los cuales no siempre le gustaban a su público.

La otra interpretación es que los personajes estuvieran hablando en serio. ¿Ustedes no han pensado que Dios realmente odiaba los 80s? ¿Que estaba disgustado por esos peinados, por esos jeans entubados (que además hoy volvieron), por esa música (digamos que él no miraba mucho por Suramérica para esa fecha, para salvar a algunos de mis favoritos)? ¿No les parece que es algo coherente? Y bueno, Dios, caracterizado siempre por su sed de justicia, de perdón, de amor, y de todas las otras cosas que le dan sed, también tenía sed de Snapple.

También he pensado que el jugo ese debió ser muy bueno para gustarle al altísimo. Era algo innegable. Hasta los médicos (quienes están a veces más cerca de él que los padres, aunque no siempre) lo reconocían. Y claro, después del despliegue de comunicación que tiene la etiqueta, la página web, etc., del producto, pues a ustedes no les provoca uno?

También pienso que el jugo pudo haber sido hecho de una mezcla de frutas y plantas con la capacidad de generar alucinaciones (como le pasó a Homero J), y los personajes de la serie no sólo vieron colores, animales raros, sino a su propia interpretación de Dios bebiendo su maravillosa bebida. ¿A qué no les ha pasado?

Lo otro que pudo pasar es que la demencia senil haya confundido un poco a los personajes, pues es probable que Dios odiara más otra década. Habría que revisar las tasas de mortalidad violenta. Lo que hemos ganado y lo que hemos perdido en cada década. Al fin y al cabo, ¿por qué le habrá dejado de gustar el jugo ese al altísimo?

¿Cómo lo interpretas tú? ¿Por qué crees que odiaba los 80s? ¿Qué sabor no le gustaba? ¿Habrá descargado su ira contra la marca?

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Scott Pilgrim vs The World

Iniciaremos el tributo a los Miércoles de Buen Cine, con una película con posiblemente se identifique con todos. Me refiero a la conocidísima Scott Pilgrim vs The Worls.

Y ¿por qué digo que todos nos podemos identificar fácilmente?, es un sencillo listado el que podemos describir de cosas que tal vez a todos nos han pasado y que dibujan hermosamente en esta película:

- Quien no ha estado enamorado
- Quien no ha tenido un ex que le ha roto la cara a tu corazón
- Quien no ha vivido largos periodos de duelo
- Quien no se ha vuelto a enamorar de alguien que parece sacado de sus sueños- Quien no ha sido atormentado por los ex de esta persona de sus sueños
- Quien no ha sido retado a muerte por estos ex- Quien no ha tenido peleas reales con combos de golpes y bolas de fuego para terminar destruyendo a tu adversario (que son esos mismos ex) para que se convierta en monedas que luego recoges para pagar el bus.

Ese es el resumen, una historia de amor de dos jóvenes que luchan con su pasado para poder salir adelante, todo esto enmarcado en peleas tipo videojuego, una edición bastante interesante y detalles coquetos que llenan toda la extensión de la película, todo esto en “la misteriosa tierra de Toronto, Canadá”.

Vale rescatar la actuación de Kieran Culkin, el hermano menor de Macaulay Culkin (quien también debutó en mi pobre angelito como el primo detestable), ya que su actuación en esta película como el compañero de apartamente gay del prota le inyecta la pimienta necesaria con los comentarios justos para que la historia fluyera apropiadamente. Afortunadamente nuestros hermanos del norte no tienen la colombiana costumbre incluir a un gay solo para que sea el payaso de la novela.

Como lo comentaría con Sama, esta película está hecha para una generación en particular, ya que ni una persona algo mayor que nosotros, ni los adolescentes actuales podrían disfrutar (o incluso entender) la música midi que alguna vez tiene de fondo, las múltiples referencias a videojuegos, animé, y en general toda la base conceptual en la que está construida esta película.

Así que amigo geek, si eres lector de este blog posiblemente tienes los puntos de frikismo necesario para disfrutar de esta película. Por tal, les dejo el trailer:

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¿Cómo hacer un mes de tributo?

Para hacer un mes de tributo se necesitan 2 cosas: Escoger un mes, y tener a quien hacer el tributo.

Un mes solía ser la cantidad de días en que se cumplía un ciclo lunar, pero dadas varias secuencias históricas, terminaron siendo ciclos de entre 30 y 31 días, exceptuando febrero que es un resumen de días sobrantes.

El mes determina además cómo se va a distribuir este tributo; puede usted escoger un mes largo, como diciembre que tiene 31 días, aunque con esa cantidad de distracciones navideñas seguramente nadie le preste atención. Por nuestra salud y conociendo nuestro empuje inicial para hacer las cosas, determinamos que febrero sería el mejor mes, pues es el más corto.

Ahora, se ha de tener a quien o que hacer tributo, para lo cual nos escogimos a nosotros mismos por allá en 2008. Es una decisión muy sabia aunque parezca poco modesta, principalmente porque las personas a las que conocemos (y por lo tanto podemos darle exactamente lo que más le gustaría recibir) somos nosotros mismos. Excepto que para que no suene tan ególatra, nos "tributamos" nosotros mismos, pero mezclados.

Teniendo el tiempo y el objetivo, viene lo importante... el cómo.

Nosotros en general distribuímos cada columna de este manual entre los involucrados, tratando de tocar todos los temas por igual, temas que normalmente no tocamos, bien por respeto al conocimiento de nuestro colega o por pura ignorancia (falta de estilo, que llaman).

Es así que durante este mes, cada uno toma una columna que muy pocas veces ha hecho, aborda un tema que o bien no conoce o que no frecuenta, y haciendo su mejor esfuerzo, hace un tributo a quien regularmente lo hace.

En resumen, nosotros no sabemos cómo se hace.

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Das Weisse Band (2009)

Hace meses me ví esta película en cine con un amigo y al salir, mientras bajábamos en el ascensor con un grupo de personas que venían del mismo sitio, uno de ellos resumió el sentimiento general sobre lo que habíamos presenciado: "Ve, y porqué fue que no nos vimos Shrek?". Tan clara fue la sentencia, que esta reseña me pareció innecesaria en su momento, permaneciendo en el borrador hasta hoy, en vista de que la crítica sigue alabando esta obra de Haneke, tal vez el director de cine alemán de mayor reconocimiento de nuestros días. Es por ello que; haciendo de tripas, corazón; realicé nuevamente el ejercicio de vérmela, esta vez solo, y con todos los sentidos puestos en ella.

¿Qué se puede obtener cuando se combina una buena sinopsis con un destacado director y además se le suma un par de reconocimientos como mejor película en certámenes como Cannes y los Golden Globes? Para este caso, lo mismo o un poco menos. Otra vez, tal y como me pasó ya en otra ocasión, una película se queda corta frente a las críticas hechas por fuentes reconocidas; quizás porque de nuevo, como si se estuviera frente a una mancha Rorschach, los ojos expertos imaginan más de lo que dilucidan. Porque es claro que a veces hay que leer entre líneas lo que se te pone en escena para llegar a lo sustancial, así como conocer un poco mejor el contexto histórico o político en el que se desarrolla todo, te permite confrontar la visión del director con los hechos. Sin embargo, en Das Weisse Band (2009) casi nada subyace tras lo evidente.

Es válido empezar por reconocer que el cine, así como lo ha hecho la literatura, se ha encargado de mostrarnos representaciones de algunos hechos históricos que hemos olvidado, parcial o por completo, de nuestras clases de ciencias sociales; ésto último es quizás porque la academia sigue empeñada en intentar hacernos memorizar fechas, sitios y nombres para cumplir con un currículo, en vez de darnos entender las razones de ser de los logros y fracasos de la humanidad. De cualquier forma, es imposible aprehender toda la historia del mundo, así incluso te vayas a dedicar tu vida plenamente a ello. Por otra parte, las versiones de los hechos suelen ser contadas por quienes posean el poder de los medios que los narran, sin importar lo que haya pasado.

Por lo anterior, adicional a mi gusto por las películas sobre conflictos armados, es gratificante poder apreciar las distintas visiones de un mismo conflicto; tal vez el más popular y atractivo para el cine ha sido la Segunda Guerra Mundial, donde se pueden conocer las perspectivas de otros de sus actores (Ej. Letters From Iwo Jima - 2006 -), historias reales poco o nunca contadas (Ej. Valkyrie - 2008 -) o ficciones, ya sean cercanas a la realidad, o tan descabelladas como entretenidas (Ej. Inglorious Basterds - 2009 -). El punto es que, curiosamente, la Primera Guerra Mundial no ha gozado de las misma popularidad para este medio, y aún menos los sucesos que conllevaron a este suceso.

La historia de Das Weisse Band se desarrolla en la aldea protestante de Eichwald, Alemania, durante los años previos al estallido de la Primera Guerra Mundial, lugar en el que empiezan a acontecer ciertos incidentes en contra de algunos de sus habitantes. El narrador de la historia, profesor de la escuela, cuenta los hechos en retrospectiva, según su conocimiento y sus sospechas de lo ocurrido; éstas involucran a varios de sus alumnos, quienes han sido educados en sus hogares bajo un sentido de la moral religiosa severo. Al final, a pesar de estar convencido de sus suposiciones, cae en la cuenta de que, más allá de tener o no razón, los habitantes no les interesa conocer la verdad; quizás por su crudeza, o quizás porque de alguna manera dan aval a estas acciones como un castigo merecido a quienes lo han recibido. Bajo esta descorazonadora realidad transcurren las dos horas y cuarto de duración, acentuada por un silencio y una monocromía permanente, que hacen que una aldea Amish parezca un centro recreativo.

En resumen, la historia puede ser interesante, pero no entretenida. A pesar de que en la cinta se busca dar ejemplo del sentimiento ultra nacionalista y reaccionario que, junto al asesinato del Archiduque Franz Ferdinand, detonaron la declaración de guerra de los Imperios Germánico y Astro-húngaro, queda la sensación de que la narración le debe enormemente al espectador; sobre todo por lo inexplicable de ciertas tomas eternas a un encuadre fijo; es un tiempo que sin duda pudo haber sido mejor aprovechado.

A Haneke hay que darle el mérito de tocar un tema tan delicado como éste, ya que es una crítica directa al fundamento de las estructuras sociales de su país para ese entonces. Aún así, la película adolece de ser lenta, estática, así sea ésta su intención. Es excluyente, porque no invita a conocer a quien no tiene idea, sino que comparte poco con los pocos que están en verdad involucrados con su contexto. Si alguno de ustedes ya la ha visto y quiere compartirnos su opinión, sea afín o contraria, están cordialmente invitados a hacerlo.

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Somewhere (2010)

Acompañado por mi novia y unos buenos amigos, con las mejores intenciones de pasar un domingo de enero con buena comida y buen cine, nos dispusimos a disfrutar de la reciente película de Sofia Coppola, Somewhere (2010), ganadora del León de Oro en el Festival de Venecia. Es una pena decir que nuestra expectativa empezó a desinflarse desde la primera escena, la cual es una de tantas que se ven a lo largo del filme y que, aunque se entiende su significado, no le aportan interés a la historia presentada. En resumen, se puede adelantar que ésta es una versión ligera de Lost In Translation (2003), la cual ya de por sí es ligera, de manera que estamos ante algo que raya en el colmo de la ligereza. Si esto les basta, pueden leer hasta aquí. Si les interesa conocer un poco más de lo bueno y lo malo que tiene Somewhere, prosigamos.

Johnny Marco, el prota, es un actor de cine famoso en un gran momento de su carrera profesional, y de quien se entiende que se ha dado de frente y con todas sus fuerzas contra la marea de la fama: es un hombre de unos 40 años, con la fatigada apariencia de uno de 60, y quien aun se comporta como si tuviera unos desordenados 25. A pesar del éxito, es claro que es alguien quien no tiene algo más de lo que se pueda aferrar en su vida, y por lo cual la conduce, como su Ferrari durante los primeros tres minutos introductorios al filme, en un constante circuito sin salida. Esta levedad es bien puesta en escena, tanto que aburre a partir del momento en que se entiende lo que pretende decir, y por lo cual pierde aire y volumen, haciéndose plana y sosa el resto de la hora y cuarenta minutos que dura la película.

Durante esta constante gabela que le paga Johnny a su monotonía, aparece Cleo, su hija, quien queda a su cuidado mientras su madre regresa de un viaje que aún no tiene fecha de retorno. Es en ese instante cuando Johnny empieza a intentar escapar del acoso de las pasiones que rodean a su trabajo para poder compartir momentos con Cleo quien, aunque sin duda quiere a su padre, no logra acercársele lo suficiente, quizás para evitar hacerse daño con su comportamiento dañino. Finalmente, cuando deben separarse de nuevo, todo lo que rodea su entorno se desvaloriza, pierde color, hasta que finalmente un día decide escapar de todo ello, entendiéndose que deja atrás incluso el medio mediante el cual todo lo consiguió fácil y rápido: el abandono del Ferrari; el fin de su carrera. Fin.

Como aspecto a resaltar, está sin duda la dirección artística del filme, la cual es buena y se hace entender, pero no atrapa, es predecible y no consigue ser emotiva, lo cual decepciona. Incluso, careciendo de una permanente música incidental, el momento de la entrada de la canción del filme pasa por encima y se olvida. Otro punto que no favorece es la repetición de ideas, ya que una de las escenas que pretende ser memorable, cuando admite a su hija su descuido como padre, acallado por el ruido del helicóptero, es algo que simplemente ya se ha visto.

En resumen, no puede recomendarse este filme para quien quiera ver algo diferente. Si llega a sus manos, véala, pero no espere nada nuevo. Es mucha la afinidad que el filme demanda para lograr obtener tan poco. Si al final se atreve a hacerlo, tenga a la mano una buena comedia para levantar el ánimo después. Le Dîner De Cons (1998) siempre será una buena alternativa.

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